Hola holaaaaaaaaa niñas lindas ! Qué linda es la música, verdad? por lo menos yo no puedo estar sin ella, podría decir que la escucho desde que me levanto hasta que me acuesto.
"La Pregunta de Nou"
Hablemos de músicos.
Ha habido grandes pianistas, violinistas, guitarristas, podrías compartirnos de alguno?
Besitosssssssss, abracitosssss y apapachos de su amiga que las quiere,
Agri debutó en 1947 luego de estudiar violín con Dermidio Guastavino. Luego de integrar varias orquestas de música popular y acompañar a los principales músicos de tango, creó en 1961 el "Quinteto de Arcos de Antonio Agri", que interpretó tango, pero con estilo de música de cámara.
Simultáneamente fue invitado por Ástor Piazzolla para integrar su revolucionario Quinteto Nuevo Tango junto a Jaime Gosis, Oscar López Ruiz y Kicho Díaz, acompañándolo en sus formaciones por casi quince años. En 1974 ingresó como violinista la Orquesta Sinfónica del Teatro Colón de Buenos Aires. En 1976 formó y dirigió el "Conjunto de Arcos Antonio Agri", integrado por los músicos de la orquesta del Teatro Colón. Luego formó la "Camerata Antonio Agri" interpretando piezas de Astor Piazzolla.
Tambien me gusta Richard Cyaderman, Raul Di Blasio, con su tema : "Corazón De Niño" Y otros más....
Uy me fascina la musica instrumental , son vitaminas para el alma.
Raúl di Blasio (1949 - ) es un pianista Argentino, originario de la localidad de Zapala, provincia de Neuquén.
Siendo un chico de seis años se mostró de repente interesado en tocar piano, al grado de cuando sus padres le preguntaron si él quería estudiar música, él no dudó en responder afirmativamente.
Durante un lapso de cuatro años empezó a practicar en los pianos de sus maestros, reconociendo lo difícil que era conseguir un piano decente. Mientras experimentaba y tocaba con los diferentes sonidos en el piano, Raúl silbaba con su padre, lo que le estimulaba a tocar nuevas melodías en el piano.
Ese fue el comienzo del famoso pianista Raúl di Blasio, que aunque él afirma que ha sido formado con la técnica clásica, le gusta de igual manera tocar música popular. Di Blasio admite que a la edad de diecisiete formó parte del movimiento de rock que surgía del fenómeno de Los Beatles, pero sus padres le instaron a ir a la Universidad y hacer una verdadera carrera en su vida.
Pero su siguiente escalón fue salir de su pueblo natal y trasladarse a Buenos Aires, donde a la edad de veinte empezó a practicar el piano por doce horas diarias, a lo que él comenta “Sentía las alas en mis dedos”.
Él se considera a sí mismo una persona que constantemente necesita de cambios en su vida. A la edad de 27, sabiendo que algo pasaba con su personalidad –ahora con más energía e hiperactividad-, decidió mudarse a Chile, en donde decidió tocar piano con música clásica, tradicional y rock. Para aquel entonces ya componía sus propias melodías y trabajaba como pianista en un bar y aunque confesara que lo hacía para sobrevivir, estaba feliz con lo que hacía.
Nou a mi tb me fascina Raúl di Blasio....escuchar músicaes un deleite...............
Raul Diblasio
Con Alas en los Dedos- Raúl Di Blasio Por Alejandra Cardona
Nacido en la pequeña ciudad de Zapala, al sur de Argentina, el 14 de noviembre de 1949; Raúl Di Blasio se convirtió en el centro de atención de una pareja de granjeros. Espontáneamente a la edad de seis años demostró su interés por tocar el piano y cuando sus padres le preguntaron si quería estudiar música, no dudó en responder afirmativamente.
Por cuatro años estuvo practicando en los pianos de sus profesores, reconociendo que entonces era difícil encontrar uno bueno, mientras él gustaba experimentar y jugar con los sonidos, incluso se divertía silbando con su padre, quien lo estimulaba para tocar melodías nuevas en el piano.
Ese fue el inicio del famoso pianista, Raul Di Blasio, quien afirma haberse formado con la técnica clásica pero igualmente gusta de la música popular. Admite que cuando tenía 17 años formó parte del movimiento rockero con el fenómeno de The Beatles, pero fue entonces cuando sus padres le pidieron que fuera a la universidad e hiciera una verdadera carrera en su vida.
Pero el próximo paso fue salir de su ciudad natal y radicarse en Buenos Aires, donde a la edad de 20, empezó a practicar música clásica por 12 horas diarias, de lo cual comenta "sentía las alas en mis dedos".
Se considera una persona que necesita cambios constantes en su vida y, a los 27, sabía que algo pasaba con su personalidad. Con más energía e hiperactividad decidió moverse a Chile donde decidió empezar a jugar con la música tradicional, el rock y las notas clásicas. En esa época compuso sus propias melodías y trabajó como pianista en un bar, confesando que recibía dinero para sobrevivir pero era feliz.
Dos años después alguien le sugirió que registrara su música y produjera un disco, lo cual realizó con sus propios recursos, en 1981; sin embargo, la producción no tuvo el éxito esperado. Después un productor de la casa BCS-s Chile, le solicitó que grabara y así surgió el segundo álbum, en el cual, además de mayor experiencia, incluyó música latinoamericana.
Fue así como en 1984 tomó la decisión de hacer del piano, el compañero de su vida.
Más que un pianista, Di Blasio se ha dado a conocer al mundo por su habilidad como compositor, fusionando diferentes estilos musicales, desde los ritmos folclóricos, pop, jazz, clásicos y brasileños, lo que le ha llevado al éxito comercial en el mercado internacional. El año pasado fue nominado a los premios Grammy por su disco De mis manos, producido por Bebu Silvetti.
Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otras músicas internacionales.
El comienzo
Tanto su madre, Lucía Gómez "La Portuguesa", como su padre, Antonio Sánchez, influyeron mucho en su vocación. De su padre y de su hermano Ramón recibió las primeras clases de guitarra.Su padre hacía que Paco practicase muchas horas de guitarra diarias durante su niñez. El nombre "De Lucía" quedó ligado a él durante su niñez, ya que, como él mismo cuenta, en su barrio había muchos Pepes, Pacos, etc., y entonces se los identificaba por el nombre de la madre, por lo que él era conocido como "Paco, el de Lucía" en su barrio de Algeciras.
Paco de Lucía y Camarón de la Isla.
Es hermano de artistas flamencos: de Pepe de Lucía, cantaor profesional ya de niño, y de Ramón de Algeciras, guitarrista también profesional. Ambos han sido miembros de su banda. Durante muchos años, le han acompañándo en grabaciones y giras, han tenido ellos sus propias carreras en solitario y han trabajado con otros artistas.
A finales de los años 60, conoce al Camarón de la Isla, con quien crea una mítica unión musical, fruto de la cual son los primeros discos de ambos. Se muestran como excelentes intérpretes del flamenco más ortodoxo. Grabaron diez discos entre 1968 y 1977. Después, juntos y por separado, fueron precursores de un flamenco más popular y mestizo entrando en el terreno del pop, el rock y el jazzInfluencias y características de su toque.
INFLUENCIAS Y CARACTERISTICAS DE SU TOQUE
Paco de Lucía ha recibido principalmente la influencia de dos escuelas: la del Niño Ricardo, considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas, a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).
La contribución de Sabicas en el flamenco es doble: Por un lado, amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas —frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar—, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho a excepción de algunas figuras coetáneas (Esteban de Sanlúcar, por ejemplo, en magníficas creaciones como "Mantilla de feria" o "Panaderos flamencos"). Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad —muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono— debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.
La mejor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista. Entre ellas, "Entre dos aguas" (rumba), "La Barrosa" (alegrías), "Barrio la Viña", "Homenaje al Niño Ricardo" (soleá), "Almoraima" (bulerías), "Guajiras de Lucía" y "Río Ancho" (rumba).
Es meritorio además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas, lo cual es sin duda encomiable.
A todo esto, no hay que olvidar que su padre Antonio recibió clases de guitarra de la mano del primo hermano de Melchor de Marchena: Manuel Fernández "Titi de Marchena", un guitarrista que llegó a Algeciras en la década de los años 20, creó afición y escuela, y tal vez influyera en los principios de Paco.
Otro aporte de Paco de Lucía al arte Flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años 70, de manos de Carlos "Caitro" Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y,luego, de otras corrientes musicales internacionales.
DISCOGRAFIA
Los Chiquitos de Algeciras (1961), con Pepe de Lucía
Dos guitarras flamencas en stereo (1965), con Ricardo Modrego
Doce canciones de García Lorca para guitarra (1965), con Ricardo Modrego
Dos guitarras flamencas en América Latina (1967), con Ramón de Algeciras
Reconocido en la escena internacional como uno de los talentos musicales más importantes de América Latina. Comenzó su formación musical en el Conservatorio Nacional de Santiago con Rudolf Lehmann; continuó sus estudios en Nueva York (Estados Unidos) con el connotado pianista chileno, Claudio Arrau. Luego continuó su formación y perfeccionamiento, en los Conservatorios de Varsovia (Polonia) y Tchaikovsky de Moscú (Rusia) y en Londres (Inglaterra) con la Maestra Maria Curcio.
Roberto Bravo ha obtenido en Chile, varios premios en concursos nacionales. Asimismo, ha sido galardonado en certámenes internacionales de Europa y Estados Unidos. Su exitosa carrera profesional lo ha llevado a viajar por los cinco continentes.
Ha sido invitado a dar conciertos en los más importantes teatros de Europa y de América, tales como : Carnegie Hall (New York); Place des Arts (Montréal); Salle Gaveau (París); Schauspielhaus (Berlín); Kennedy Center (Washington), Palacio de Bellas Artes (México), Palau de la Música (Barcelona); National Theatre (Dublin); Glenn Gould (Toronto); National Arts Centre (Ottawa); Teresa Carreño (Caracas); etc.
Numerosos y destacados directores de orquesta de prestigio internacional han invitado al Maestro Bravo en función de su talento y cualidades de intérprete. De este modo, ha tocado junto a la Orquesta Sinfónica de Berlin (Alemania); la Royal Philarmonic Orchestra of London (Inglaterra); The Melbourne Symphonic Orchestra (Australia); Dresden Symphonic Orchestra; Orquesta Sinfónica de Sao Paulo (Brasil); Orquesta Sinfónica de Quito (Ecuador); Orquesta Sinfónica de Lima (Perú); Orquesta Sinfónica de Santiago (Chile); etc.
Ha realizado importantes grabaciones, entre las cuales cabe destacar el Concierto en La Menor de Grieg & Concierto No.1 de Beethoven con la Royal Philarmonic of London como también, obras de Liszt, Chopin, Schumann; grabaciones de compositores españoles y latinoamericanos; música popular de Chile y de América Latina. Su trabajo discográfico más reciente lanzado al mercado nacional, es un CD con música de películas ( Mission, Il Postino, Cinema Paradiso, etc.) y su último éxito Bravo/Piazzolla que reúne algunos de los temas más hermosos del gran compositor argentino Astor Piazzolla.
Ha grabado para los más importantes medios de comunicación europeos de radio y televisión: BBC de Londres, Radio Nacional de España, Radio France Musique, ABC de Australia y también, varias emisoras de radio y televisión de América Latina.
Roberto Bravo en su trayectoria musical, sobrepasa los límites del perfil de un pianista clásico. Él vibra con todos los aspectos de la música popular, literaria y poética, en el marco de una sociedad mejor, más justa y liberadora del ser humano. Por ello, interpreta y lleva su música, tanto al público que sigue la música clásica como a aquellos que no pueden acceder directamente a ella: los mineros, los campesinos; los 'pobladores' de los barrios pobres y marginales; los indios Mapuches; a las personas en misión en el territorio Antártico, en el Polo Sur y a los habitantes de Isla de Pascua (Rapa Nui) situada en el medio del Océano Pacífico.
Numerosas personalidades nacionales se unieron a él, para crear la Fundación Roberto Bravo, con el propósito de ayudar a través de becas, cursos y seminarios, a los jóvenes talentos musicales de Chile sin recursos financieros.
En 1990, el Gobierno Democrático de Chile, lo nominó 'Embajador Cultural Honorario'. En 1995 recibió en Chile, el Premio Nacional de la Paz, y ese mismo año, el Gobierno de Túnez le distinguió con la 'Ordre Commendateur des Arts'.
Roberto Bravo ofrece regularmente cursos y 'master-classes' en universidades de Estados Unidos y en conservatorios de música de Europa.
En el año 2003, Roberto Bravo fundó el Conservatorio de Música de la Universidad Mayor, del que fué su Director hasta el año 2008.
En Octubre 2009 es nombrado Artista residente del Programa de Artes Liberales de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad Andrés Bello en Santiago de Chile.
Chuco Valdéz Latina / Jazz Pianista, organista, compositor e instrumentista
Chucho Valdes es hijo de Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro (Bebo Valdes "Caballón"- 1918), el gran compositor, arreglista y pianista de la época dorada de la música cubana.
Dionisio de Jesús Valdés Rodríguez (Chucho Valdés - 1949), es considerado uno de los mejores pianistas del mundo y desde luego la figura jazzistica más importante en la actualidad de Cuba. Desde niño comenzó a tocar piano guiado por su padre, el también pianista, Bebo Valdés, y los 14 años inicia su actividad profesional en la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre. Fue alumno del Conservatorio Municipal de La Habana, donde trabajó con Ángela Quintana y más tarde fue discípulo de Zenaida Romeu y Rosario Franco, cuyas influencias considera importantes en su formación musical, graduándose de la Universidad de las Artes de la Habana. Antes de los veinte años ya era un afamado pianista, decidiendo luego integrarse a grupos de jazz. En los inicios de los años sesenta formó parte de la orquesta del Teatro Musical de La Habana, donde coincidió en la actividad profesional con Leo Brouwer, Federico Smith y Alberto Alonso. Integró después la Orquesta Cubana de Música Moderna, fundando posteriormente el proyecto del grupo Irakere, junto con el guitarrista Carlos Emilio Morales. Con esta agrupación, desarrolla una significativa labor de rescate de las raíces de la música cubana, manejadas con nuevos elementos expresivos. Su revelación mundial como importante exponente del movimiento jazzistico internacional ocurre en el Festival Jazz Jamboree de Varsovia en 1970, donde fue ubicado por la crítica entre los mejores pianistas de jazz de ese momento, como renovador del Latin Jazz o Afrocuban Jazz y exponente del mensaje jazzistico cubano. Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de la Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico. Maestro en todos los géneros, tanto jazz, música clásica y música popular bailable, ha impartido conferencias magistrales en la Universidad de Banff en Canadá, la Real Academia de Música de Londres, Centro de Altos Estudios de los Ángeles y San Francisco en el estado norteamericano de California. Ha recibido cuatro premios Grammy: en 1978 con Misa Negra interpretada con el Grupo Irakere; en 1996 con Havana , disco coprotagonizado con el trompetista Roy Hargrove y una banda cubano-americana-portorriqueña, en el año 2001 por Live at the Vanguard Village, y en 2002 por el CD Canciones Inéditas, producido por el sello cubano Egrem que obtuvo la categoría del Premio Grammy Latino como Mejor Álbum Instrumental Pop. Entre sus composiciones más famosas figuran Mercy cha, Niña, Por la libre, Valle Picadura (danzón), Misa Negra (para piano), Juana 1600, Calzada del Cerro, Las Margaritas y Mambo Influenciado, entre otras. Sus instrumentaciones originalísimas a piezas populares, son consideradas un aporte de gran significado para el desarrollo musical cubano.
Chucho Valdés nació en Quivicàn-Provincia Habana, Cuba en 1941, hijo de Bebo Valdés, destacado pianista y compositor Cubano, y Pilar Rodríguez. Comienza a tocar el piano de oído a los 3 años de edad, a los 5 años comienza a recibir clases de piano, teoría y solfeo por el profesor Oscar Muñoz Boufartique. A los 8 años ingresa en el Conservatorio Municipal terminando piano, teoría y solfeo a los 14 años y continuando sus estudios en forma particular con Zenaida Romeu, Rosario Franco y con Leo Brower composición. A los 15 años, hace su primer trío de jazz junto a Emilio del Monte y Luís Rodríguez. Un año después forma parte de la Orquesta Sabor de Cuba dirigida por su padre hasta el año 1961.
HOLA NOU, QUE TEMA MAS BONITO.. TE CUENTO QUE YO SOY UNA ROMANTICA AL 100% SI ES NO MAS,JEJEJEJE. ME ENCANTA LA MUSICA,MUCHOS ESTILOS, PERO LO QUE SON LAS BALADAS Y LOS BOLEROS, ESO SI, SON MI MAYOR DEBILIDAD. MI MAXIMO MUSICO, COMPOSITOR Y CANTANTE ES SIN DUDA ALGUNA MI PAISANO ARMANDO MANZANERO, TENGO LA GRAN FORTUNA DE CONOCERLO Y PROCURO SIEMPRE ACUDIR A LOS EVENTOS EN DONDE SE PRESENTA AQUI EN MERIDA.. ESTO ESTO ES ALGO DE EL..
Armando Manzanero nació el 7 de diciembre de 1935 en la ciudad de Mérida, en el estado de Yucatán, en México..... A los 8 años inicio estudios de música en la escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, completando su formación musical en Ciudad de México...... En 1951 (a 16 años) inicia su actividad profesional como pianista y años mas tarde, a los 22, comienza a trabajar como director musical de la casa disquera CBS Internacional... Poco después se convierte en el pianista de grandes artistas tales como Don Pedro Vargas, Lucho Gatica, el astro español Raphael.
Saben cual es fue su primera canción? Se llama Nunca en el Mundo, la escribió en 1950 y se han realizado 21 versiones en diferentes idiomas....... Y fue con canciones como Llorando Estoy, No, Adoro y Voy a Apagar la Luz que logro el reconocimiento internacional como compositor... En 1959 graba su primer disco, por supuesto que con sus propias canciones.
Manzanero se ha presentado en los más diversos escenarios de América, Europa y Asia, y también en importantes centros nocturnos, hoteles. Teatros. Por ejemplo ha cantado en el Lincoln Center y en el Madison Square Garden en N.Y., en el Memorial de Sao Paulo en Brasil; en el Teatro Colón en Argentina, en el Metropolitan de México y claro está en el Teresa Carreño aquí en Venezuela y aún recordamos la estupenda presentación que hace poco tiempo tuvo en el hotel Maruma de Maracaibo.
Yo creo que hablar de Armando Manzanero es hablar de mas de 40 años de una brillante carrera internacional como compositor, cantante, pianista, arreglista..... Hablar de Manzanero, es hablar de sus temas... de ese sentimiento profundo que imprime en cada una de sus canciones... Es hablar, como lo diría el periodista mexicano Felix Castillo, "... del tono y del color que sólo él tiene para cantarle al corazón y al alma"
Armando Manzanero, no es solo el compositor de Somos Novios, canción muy conocida también en su versión ingles gracias a Perry Como, con el titulo It's Impossible... Es además el hombre que viaja, ayuda, asesora, compone... Es un hombre que hoy mas que nunca está vigente dentro del ámbito... Que es buscado por los mas prestigiados interpretes para que les ceda sus canciones y él sigue, con todo gusto del mundo, brindando lo mejor de si..... Recuerdo que cuando salió a la luz la producción Romances de Luis Miguel, se dijo que no volvería a producir con él por el mal carácter de Luismi, sin embargo, para Romances II, no había sólo una canción de Armando Manzanero... sino tres canciones suyas.
Veamos que tengo en mis apuntes con respecto a los premios y reconocimientos que ha recibido nuestro invitado de esta página: En 1962 obtiene el Quinto lugar en el Festival de la Canción en México. En 1965 gana el Primer lugar del Festival de la Canción en Miami con el Tema Cuando Estoy Contigo. En 1970 su canción Somos Novios es traducida al ingles e interpretada por Perry Como, logrando ser nominada para un Grammy. En 1978 obtiene el primer lugar del Festival de Mallorca en España con el tema Señor Amor. En 1982, la canción Corazón Amigo se lleva los honores en el Festival Yamaha. Realmente casi no ha pasado un año sin que obtenga algún premio en alguna parte del mundo. Por ejemplo, en 1993 la revista Billboard le otorgó el Premio a la Excelencia por su trayectoria artística.
A lo largo de ella, ha logrado que sus canciones sean interpretadas por personajes de la talla de Frank Sinatra, Tony Bennet, Elvis Presley, Marco Antonio Muñiz, Raphael, Pablo Milanés, Dyango, Daniela Romo, María Conchita Alonso, Luis Miguel..... Casi no ha quedado cantante latinoamericano importante que no haya interpretado alguna canción de Manzanero........ Sin contar con los arreglos instrumentales que han hecho directores de la talla de Frank Pourcel, Paul Muriat y Ray Conniff.
En cuanto a su discografía también ha sido importante. En 1960 ve la luz su primer intento, y así se llamó: Mi Primera Grabación,, a esa le siguieron A Mi Amor, Con Mi Amor, Manzanero El Grande, Somos Novios, Armando Manzanero, Su Piano y Su Música. Y así hasta llegar a su más reciente producción Nada Personal... Un total de 21 discos en solitario...... Pero ha producido 8 títulos con diferentes artistas latinos, como muestra podemos decirles que en 1969 graba con José Alfredo Jiménez y en 1976 junto al compositor y cantante venezolano Chelique Sarabia, graba el disco Los Románticos de América. La antología más reciente se realiza en 1996, donde Cheo Feliciano Interpreta a Armando Manzanero, una extraña combinación que nos demuestra que en cuanto a música, son muchas las cosas que pueden ocurrir........
A la fecha, Armando Manzanero Canché ha escrito mas de 400 canciones, de las cuales más de 50 han obtenido fama internacional. Ha participado en numerosos programas de radio y televisión; ha grabado mas de 30 discos y musicalizado numerosas películas.
Por su labor como compositor ha recibido innumerables distinciones y reconocimientos de personas, empresas, instituciones, asociaciones y organismos tanto dentro como fuera de su país..... Pero a pesar de todo y según sus propias palabras... "el trofeo más importante que he recibido a nivel internacional, es el lograr trascender de generación, permaneciendo en contacto directo con la juventud... " Esto demuestra que para Manzanero, lo mas importante es el mantenerse vigente a través de los años, que sus canciones perduren en el tiempo, que sean cantadas y tarareadas, pero que sobre todo, se mantengan en el corazón de quienes las escuchan... Ese es Armando Manzanero...
Franco Atilio De Vita De Vito nació en la parroquia caraqueña La Candelaria el 23 de enero de 1954. Siendo sus padres Ferdinando de Vita y Rosa De Vito, inmigrantes italianos. Tiene tres hermanos: Bartolomé, Ana y Fernando.
A los tres años de edad se marcha a vivir a Italia, país de origen de sus padres, regresando a Venezuela a los 13 años. A partir de esa edad comenzó sus estudios de piano. Franco comparte sus estudios con la música y cuando acaba el bachillerato comienza a estudiar piano en un Conservatorio simultáneamente mientras cursa y se gradúa como Técnico Superior en Turismo.
Su carrera profesional en la música se inicia con el grupo "Corpus", con quienes anima fiestas y locales públicos de Caracas. En 1982 forma el grupo "Ícaro" con la cual sacó al mercado su primera producción discográfica. Este disco se caracterizó por ser una producción con una gran carga sentimental en donde la rabia, el amor y la decepción, se funden en un camino acompañados por una instrumentación inclinada hacia un punk rock soft.
Para esta época, Franco sentía que su éxito en la industria lo conseguiría dentro de una banda de rock, al estilo de sus ídolos, The Beatles y The Rolling Stones. Este pensamiento lo hizo rechazar diversas ofertas para presentarse como solista.
Sin embargo, debido a varias sugerencias, decide probar suerte como solista, lanzando su primer álbum en solitario titulado Franco De Vita, con el cual logró vender más de 500 mil copias en Venezuela, obteniendo discos de Oro y Platino. De este disco fueron un éxito temas como: No hay cielo, Un buen perdedor, Somos tres, entre otros.
En 1986, lanzó su segunda producción llamada Fantasía, superando su éxito anterior con más de 650 mil copias vendidas. De este disco salió el tema Sólo importas tú tema principal de la telenovela "La Dama de Rosa". Debido al éxito de este dramático, Franco logró entrar con su música a países como Colombia, Ecuador, Chile, Aruba, Curazao, Perú, Bolivia, Panamá y Guatemala.
En 1988, grabó el disco Al Norte del Sur y obtuvo discos de oro y platino tanto en América como en España. De este disco salieron temas como Louis, Te amo, Promesas, Un poco de respeto y Al Norte del Sur, que cantó a dúo junto con el cantautor de música venezolana Simón Díaz. Sus canciones van desde baladas de amor hasta canciones con alto grado de sensibilidad social. A partir de esta producción, siempre se va a incluir un tema de este corte.
En 1989 decide mudarse a España, específicamente a Madrid, en parte para alejarse de la agitada vida de estrella que llevaba en Venezuela y en parte para propulsar su carrera internacional, tanto en América como en Europa. Tal fue el gusto que agarró por dicha ciudad que desde ese año haría desde ella su ciudad de residencia.
En 1990, presentó una producción mucho más madura titulada Extranjero. Allí, se presenta un Franco en busca de sus raíces y de su identidad; además significó un gran reto, ya que editó dos versiones de Extranjero una en italiano y la otra en portugués. De esta producción destaca la canción "No Basta" cuyo video clip ganó un premio MTV como mejor video latino en el año 1991.
En 1991, editó el álbum Marzo 16 grabado en el Poliedro de Caracas. De este disco salieron los temas No lo había pensado y Entre tu vida y la mía. Esta producción superó las 2 millones de copias vendidas, con las cuales se consagró como el gran representante a nivel internacional de la balada hecha en Venezuela.
En 1993, luego de 2 años de descanso, sacó al mercado Voces a mi alrededor, de este disco salió el tema Los Hijos de la Oscuridad dedicado a la infancia abandonada de Colombia, además de canciones como Mi amigo Sebastián, La misma persona, Y te pienso y Cálido y Frío, además de haber incursionado de manera satisfactoria en la música instrumental con su composición "Otoño".
En 1996 presentó "Fuera de este Mundo" con un sonido más acústico con pocos instrumentos, enfocándose en la composición con la guitarra.
Adicionalmente, gracias al tema Sólo palabras, que graba a dúo con Frankie Valie, comienza a ser conocido también en los núcleos estadounidenses de población latina. En 1998, el nombre de Franco de Vita subió a los primeros lugares de las listas de éxitos de todo el mundo, como autor de Vuelve, el tema que Ricky Martin inmortalizó en uno de sus álbumes.
En 1999 editó Nada es Igual. Con este disco rompe todos los esquemas rítmicos que venía aplicando; ya que incorporó elementos más latino y tropicales. Esta producción incluyó temas como Si tu no estás, Traigo una pena (donde se pueden apreciar las voces de Cheo Feliciano, Víctor Manuelle y Gilberto Santa Rosa), Te veo venir soledad, "Nada es igual" y "Lluvia" (la que fue la primera letra de canción que compuso en su vida pero a la cual nunca la había podido instrumentalizar de manera satisfactoria para él, esto con la inspiración del maestro Simon Díaz).
En el 2002 presentó Segundas partes también son buenas, aquí grabó temas que habían formado parte de sus discos anteriores pero que eran poco conocidas y que grabó en nuevas versiones. Además incluyó géneros musicales como la bachata, el reggae, el rap y el vallenato.
En el 2004 saca al mercado "Stop" un disco en el que destacan las baladas, destacando las canciones Ay Dios y Si la ves, esta última a dúo con la agrupación mexicana-argentina Sin Bandera.
En el 2006 lanza el disco Mil y Una Historias el cual es una recopilación de las canciones más significativas de la carrera del artista cantadas en vivo después de la larga gira promocional por Iberoamérica que siguió al lanzamiento de "Stop". En este disco destacan éxitos como Te veo venir soledad a dúo con Alejandro Fernández, "Ay Dios" a dúo con Diego el Cigala y Traigo una pena con Oscar D'León, además de una canción nueva de estudio, Tengo.
En Febrero de 2008, tuvo su primera y excelente presentación en la XLIX versión del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar de Chile, obtuvo todos los premios, Antorcha de Plata, Antorcha de Oro y Doble Gaviota de Plata, premios otorgados por el "Monstruo", el público de la Quinta Vergara.Plantilla:Citaref
En el 2008 sale Simplemente la verdad; un disco completamente variado (baladas, pops rocks y mezclas de ritmos latinos). }
En el 2009 empieza la gira Simplemente la verdad, diversos paises del mundo se ven beneficiados.
A pesar de haber tenido relaciones sentimentales con diversas mujeres, y en contra de diversos rumores que han corrido, el se encuentra actualmente soltero (nunca se ha casado) y no posee hijos, y continúa manteniendo a Madrid como su ciudad de residencia. A pesar que mantiene gran contacto y viaja frecuentemente a su país, Venezuela.
Franco de Vita apoya la campaña No Más Violencia Contra las Mujeres de Amnistía Internacional.
Nacido en Mirecourt, Collin-Mezin trabajó como aprendiz de su padre. En 1868 se trasladó a París donde se estableció y consiguió la reputación como el mejor luthiers francés, siendo sus instrumentos considerados superiores a otros violines de su tiempo.
Los Collin-Mezin era amigos de gente influyente que les ayudó a popularizar sus instrumentos, asimismo eran muy conocidos entre los artistas musicales de su época, cuyas opiniones valoraban. Varios violinistas famosos tocaron con sus instrumentos y elogiaron su calidad y "tocabilidad", incluyendo a Joseph Joachim, Sivori, Léonard, Marie Tayau y Julio Armingaud, que consideraba un Collin-Mezin igual a un Stradivarius por la flexibilidad de su sonido. Los famosos violonchelistas Auguste Franchomme, Jacquard y Víctor Mirecki tocaron instrumentos de Collin-Mezin.
Características de sus instrumentos y artesanía[editar]
Como los mejores luthiers franceses, sus diseños siguen la tradición de los famosos luthieres italianos Stradivarius, Guarnerius y Amati, aunque él desarrolló su propio barniz único.
Sus violines son elaborados artesanalmente, trabajando muy finamente cada detalle:
La capa de barniz tiende a ser gruesa y embotada, extendiéndose en color del amarillo al amarillo pardusco.
Tienen un contorno negro típico a lo largo de los bordes de la caja y el mástil.
No utilizaba ningún proceso artificial de calentamiento o tratamiento químico de la madera.
Construía sus instrumentos con madera antigua que natural.
Los detalles (puente, bajo, etc.) eran ajustados según la edad y el tipo de madera que utilizara.
Su mejor trabajo lo desarrolló aproximadamente entre los años 1875-1910.
Los excelentes arcos que fabricaba eran de madera procedente de Pernambuco.
Los violas y los violoncelos son una versión más grande de sus violines.
Sus instrumentos tiene una valoración altísima en el mercado, especialmente los violonchelos y los bajos.
ME ENCANTA TODO TIPO DE MUSICA QUE SE PUEDA ENTENDER Y ESCUCHAR BIEN Y LAS DE LOS 60 EN ADELANTE SOY SUPER ROMANTICA ME LAS CANTO TOITAS Y SIEMPRE LA MUSICA EN VEZ DE TELEVISION ME ACOMPAÑA TODO EL DIA Y LA QUE MAS ME GUSTA DE MEXICO ES DE ANTONIO SOLIS Y PEDRO FERNANADEZ Y LOS NOCHEROS WOW TENGO LOS CD CERQUITAS
Su padre fue violinista en una banda de mariachi en su natal Autlán, Jalisco. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Carlos, a los ocho años se dedicó a la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela del maestro Javier Batiz. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al seguir tocando con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," comenzó a perfeccionar su estilo y sonido.
Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año de 1960, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales.
En 1969 toca junto a su banda Santana en el Festival de Woodstock, mostrando su gran habilidad como guitarrista a pesar de nunca haber participado en un evento del tal importancia.
En 1973, Carlos Santana se une sentimentalmente a Deborah King, y es padre de tres hijos.
En 1971 el general Juan Velasco Alvarado le prohibió tocar en Perú y le expulsó del país tras clasificarle de "hippie imperialista".
En 1972 Santana tomó la delantera de John McLaughlin y se dirigió en una dirección espiritual, de jazz / fusión.
Desde 1976 todavía se estiró instrumentalmente, pero incluía rock convencional y elementos de baile, una combinación que ha mantenido. En este mismo año realizo la composición de uno de sus más grandes éxitos conocido como "Europa" misma que en su boceto original se denomino "ahí viene la señora con cara de hongo que viene al pueblo".
Mientras sus conciertos en vivo tenían una reputación para la excelencia, Santana no tenía un hit muy importante desde 1981 hasta 1999.
Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
Hola amigaaa NOU, ya estoy en casita, y para mi la música me gusta toda todita, pero bueno, unos de mis favoritos es Jimmi Hendrix
En su breve reinado de cuatro años como una Superestrella, Jimi Hendrix ampliado el vocabulario de la guitarra eléctrica de rock más que nadie antes ni después. Hendrix Fue un maestro en toda clase de halagos Sonics imprevistos de su Instrumento, un menudo con los experimentos de amplificación Innovadoras que Producen Información sobre la calidad y astral, la distorsión de rugir. Sus Explosiones frecuentes de huracanes de ruido y espectáculo deslumbrante - y podia él debía Desempeñar en la espalda y con los dientes y puso su guitarra en el fuego - a veces ha Ocultado sus dones importantes como compositor, cantante y dueño de una gama de azules, R & B, y los estilos de rock.
Cuando Hendrix se convirtió en una estrella internacional en 1967, Parecía como si hubiera caído de una nave espacial de Marte, pero en realidad había Hecho su aprendizaje de la Manera larga, lo mundano es Numerosos actos y B en el circuito de Chitlin. Durante los años 60 y Mediados de, trabajo con tal R & B / soul, como los grandes Little Richard, los Isley Brothers, Y King Curtis como guitarrista de copia de seguridad. De vez en cuando se registran como un hombre Período de Sesiones (los Isley Brothers"1964 single" Testify "es el único De Estos primeros temas QUE OFRECE INCLUSO Una visión de su futuro genio). Pero las estrellas no se presenta su Apreciar-el robo de teatralidad, y Hendrix era recto de chaqueta por los roles de acompañante que no Le PERMITEN desarrollarse como solista. El paso lógico era que Hendrix a ir por su cuenta, lo que Hizo en Nueva York a mediados de los años 60, tocando con varios músicos en los clubes locales, y uniéndose blues blanco-cantante de rock John Hammond, Jr.'s Tiempo por banda de las Naciones Unidas.
Fue en un club de Nueva York que Hendrix Fue descubierto por Animales bajista Chas Chandler. La primera formación de de LOS ANIMALES Estaba a punto de dividirse, y Chandler, Mirando pasar a la gestión, convencido de Hendrix una trasladarse a Londres y grabar como solista en Inglaterra. Hay un grupo Fue construido Alrededor de Jimi, También con Mitch Mitchell en la batería y Noel Redding en el bajo, que se denominó la Jimi Hendrix Experience. El trío se convirtió en estrellas con una velocidad asombrosa en el Reino Unido, donde "Hey Joe", "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary" Todos los diez primeros en la primera mitad de 1967. Estos temas Fueron También incluyo en su álbum de debut, Are You Experienced?, Un Meisterwerk psicodélico que se convirtió en un gran éxito en los EE.UU. Después de Hendrix Creó una sensación en el Monterey Pop Festival en junio de 1967.
Are You Experienced? Fue un debut sorprendente, sobre todo desde el R & B, joven veterano que pocas veces había cantado, al parecer y nunca se escribe su propio material, antes de que La Experiencia formado. Lo que Llamó la atención de la Mayoría de la gente al principio era su forma de tocar la guitarra virtuosa, que Emplea un arsenal de dispositivos, Incluyendo pedales de wah-wah, Zumbidos solos comentarios, haciendo crujir riffs distorsionados, y Los Relámpagos, El líquido corre arriba y abajo de las escalas. Pero Hendrix También Fue un compositor de primer caso, fusión de imágenes CÓSMICAS Algunos con pop-Sorprendentemente comprensión ganchos y sentimientos tiernos. También Fue un excelente intérprete de blues apasionado y, cantante de la Participación (aunque su ronca, gutural tubos vocales no eran tan grandes activos como sus habilidades instrumentales). Are You Experienced? Fue la psicodelia en su más ecléctico, síntesis mod pop, soul, R & B, Dylan, Y las Innovaciones de la guitarra eléctrica de Los Pioneros Británicos como Jeff Beck, Pete Townshend, Y Eric Clapton.
Sorprendentemente, Hendrix sólo grabar tres álbumes de estudio concebido totalmente en su vida. Axis: Bold as Love LP y doble el Electric Ladyland que eran más difusas y experimental Are You Experienced? Encendido Electric Ladyland , En particular, Hendrix Fue pionero en el uso del estudio como un instrumento de grabación, la Manipulación de la Electrónica y la Elaboración de Técnicas de overdub (con la ayuda del ingeniero de Eddie Kramer en particular) para Representar el Territorio Sonoro desconocido. No es que Estos álbumes eran perfectos, tan impresionante como Esteban, las pausas instrumentales Podría Meandro, y composiciones de Hendrix era de vez en cuando a medio cocer, nunca juego la Coherencia de las Are You Experienced? (aunque ejercía el control creativo sobre el alcalde de los álbumes más tarde).
El los dos últimos años de vida de Hendrix Fueron turbulentos musicalmente, y personalmente financiera. Fue involucrado en la Gestión bastante complicada y los conflictos compañía de discos (algunos Datan de mal aconsejado contratos que había firmado antes de La Experiencia formada) para Mantener A LOS abogados Ocupados por años. Él disolvió La Experiencia , En 1969, formando de la Banda de los Gitanos Con el baterista Buddy Miles bajista y el Billy Cox seguir direcciones funky. Cerro Woodstock con un conjunto extenso, tembloroso, redimido por su famosa máquina de Interpretación de pistola de "The Star Spangled Banner." La sección de ritmo de Mitchell y Redding Fueron las claves para trabajar mejor subestimado Jimi, y de la Banda de los Gitanos en última instancia, no se podia llegar a medir hasta el mismo nivel, Hendrix Aunque Hizo grabar un álbum en vivo errática con ellos. A comienzos de 1970, La Experiencia re-formado de nuevo - y se disolvió de nuevo poco después. Al mismo tiempo, Hendrix partía desgarrado en muchas direcciones, por varios músicos, grabar las expectativas de la empresa, y las Presiones de Gestión, todos los Cuales tenian Sus Propias ideas de lo que Hendrix Debería estar haciendo. Llega en dos años después de Electric Ladyland, Un nuevo álbum de estudio Aún no había aparecido, Aunque Hendrix Estaba grabando Constantemente Durante el período.
Si bien las partes externas han contribuido un empantanamiento trabajo de estudio de Hendrix, También parece probable que Jimi mismo Fue en parte responsable del punto muerto, Incapaz de Formar un cártel permanente de músicos, Incapaces de Decidir qué dirección musical a seguir, sin resignarse Puede Completar un otro un álbum de Pesar de atascos sin fin. A Pocos meses de 1970, Mitchell - Colaborador musical de Hendrix más valioso - Volvio al REDIL, en SUSTITUCIÓN DE Miles en el tambor de la Silla, Aunque Cox Se quedó en su lugar. Fue este trío que recorrió el mundo Durante los últimos meses de Hendrix.
Es muy Difícil separar los hechos de la vida de Hendrix de los rumores y la especulación. Todos los que lo conocía bien, o se afirma que lo conozco bien, tiene Diferentes versiones de su estado de ánimo, en 1970. Los críticos de DIVERSAS reflexionó que iba a entrar en el jazz, Qué iba a Profundizar en el blues, que iba a seguir haciendo lo Qué estaba haciendo, o que Estaba demasiado confundido como para saber lo Qué estaba haciendo en todos los. La confusión mismo Ocurre Con su muerte: las versiones contradictorias de sus últimos días se han Dado por sus amigos más íntimos de la época. Había estado trabajando de forma intermitente en un nuevo álbum, tentativamente titulado Primer Rayo de la New Rising Sun, Cuando murió en Londres el 18 de septiembre de 1970, de complicaciones relacionadas con las drogas.
Hendrix grabó una Gran Cantidad de material de estudio inédito en su vida. Gran parte de este (así como todo conciertos en vivo) Se publicó póstumamente, y varios de los conciertos en vivo eran excelentes, pero las cintas de estudio han sido el centro de una enorme controversia desde hace más de 20 años. En principio, Estos salieron en cuentagotas drubs y al azar (la primera, El Grito de Amor, Fue sin duda el más destacado de la parcela). A Mediados de los años 70, el productor Alan Douglas El control de tomo Estos proyectos, un título póstumo overdubbing muchas de las cintas de Hendrix con piezas adicionales por músicos de estudio. A los ojos de muchos fans de Hendrix, se Trataba de un Sacrilegio, destruyendo la Integridad de la obra de un músico conocido de ejercer un cuidado meticulosamente en la producción final de sus grabaciones de estudio. Incluso En fecha tan tardía como 1995, Douglas Tenía ex --Knack baterista Bruce Gary Registro de nuevos componentes para la atención tipicamente Espurio Voodoo Soup. Después de una larga disputa legal, los derechos a la propiedad de Hendrix, Incluyendo todas sus grabaciones, regreso a Al Hendrix, El padre del guitarrista, en julio de 1995.
Con la ayuda de paso Jimi hermana de Janie, Al Establecer para empezar Hendrix Experience A tener el legado de Jimi, en orden. Comenzaron con la contratación de John McDermott y el ingeniero original de Jimi, Eddie Kramer para supervisar El proceso de remasterización. Ellos Fueron Capaces de encontrar todas las cintas maestras originales, que nunca había sido Utilizado para las versiones anteriores de CD, y en abril de 1997, primero de Hendrix se Volvió a publicar tres discos con un sonido mejorado drásticamente. Que acompañé A LOS reediciones Fue un álbum recopilatorio póstumo (basado en la lista de las pistas a mano Jimi's) llamado En primer lugar Rays of the New Rising Sun, Compuesto de las pistas de la Cry of Love, Rainbow Bridge y Héroes de Guerra.
Mas tarde, en 1997, una nueva llamada Recopilación South Saturn Delta se presento, recogiendo más pistas de LPs como póstumo Crash Landing, Héroes de Guerra, Y Rainbow Bridge (el terrible pecado Doblajes 70), junto con un puñado de nunca antes escuchado que el material de Chas Chandler había retenido de Alan Douglas Estos Durante todos los años.
Más material de archivo de seguirse; Radio One Básicamente ampliada a la época de dos discotecas BBC Sessions (publicado en 1998), y 1999 vio el lanzamiento de la serie completa de Woodstock, Así como grabaciones de conciertos adicionales de la Band of Gypsies TITULADA muestra Live at the Fillmore East. 2000 vio el lanzamiento de la Jimi Hendrix Experience Juego de cuatro caja del disco, que sigue restantes Compilado de En el Oeste, Crash Landing y Rainbow Bridge junto con rarezas y más suplentes de la Chandler Caché.
, La familia También puso en marcha Records Daga, en esencia, una etiqueta de pirata autorizadas dispensar un harcore fans Hendrix material con el que sería de limitado interés comercial. Dagger Records ha publicado varios conciertos en vivo (de muestra en Oakland, Ottawa y la Universidad Clark en Massachusetts) y una colección de los atascos de estudio y demos llamado Ideas Mañana Sinfónica.
Tambièn Jimmy Page
Jimmy Page OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 ES Heston, Middlesex, Inglaterra) Es un Afamado guitarrista conocido por haber sido uno de los lideres del grupo de rockLed Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, Y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos.[1] Page ha sido, una lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y La Firma. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que Destacan The Rolling Stones, The Who, Queen, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, Fue galardonado como Miembro de la Orden del Imperio Británico Por su trabajo de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.
Tambièn Carlitos Santana, y bueno en general en toda la Música
JS Bach nació en Eisenach, Alemania, en 1685. Su padre, Johann Ambrosius Bach, fue el gaitero ciudad de Eisenach, puesto que implicaba la organización de toda la música secular de la ciudad, así como la participación en la música de iglesia en la dirección de la organista de la iglesia, y sus tíos también eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores , aunque más tarde se Bach superar a todos en su arte. En una época cuando los hijos se espera que ayuden en el trabajo de sus padres, podemos suponer JS Bach comenzó a copiar música y tocar instrumentos diferentes a una edad temprana.
Bach madre murió cuando él era todavía un niño y su padre falleció repentinamente cuando Bach tenía 9 años, momento en el que JS Bach fue a vivir con su hermano Johann Christoph Bach, que fue el organista de Ohrdruf, en Alemania. Mientras que en la casa de su hermano, JS Bach continuó copiar, estudiar, y tocar música. Según una leyenda popular de la curiosidad del joven compositor, una noche, cuando la casa estaba dormido, recuperado de un manuscrito (que pueden haber sido una colección de obras por el antiguo mentor de Johann Christoph, Johann Pachelbel) del gabinete de la música de su hermano y comenzó a para copiarlo por la luna. Esto continuó hasta que todas las noches Johann Christoph escuchado el joven Sebastián tocando algunas de las melodías distintivas de su biblioteca privada, momento en que el hermano mayor pidió saber cómo Sebastián había llegado a aprender.
Fue en Ohrdruf que Bach comenzó a aprender sobre la construcción de órganos. Instrumento de la iglesia Ohrdruf, al parecer, estaba en constante necesidad de reparaciones menores, jóvenes y JS Bach fue enviado con frecuencia en el vientre del viejo órgano para reforzar, ajustar o sustituir varias partes. Consciente de que en los siglos XVII y XVIII, el órgano de iglesia, con su fuelle en movimiento, las paradas múltiples y complejos vínculos mecánicos de las teclas y los pedales a las tuberías de muchos reales, era la máquina más compleja en cualquier ciudad europea, podemos imaginar que Sebastián puede haber sido impresionado por lo mucho que los niños modernos están fascinados por los coches, camiones y aviones. Esta experiencia práctica con las tripas del instrumento que proporcionan un contrapunto único en su habilidad incomparable para tocar el instrumento, JS Bach fue igualmente en el país hablando con los constructores de órganos y los artistas.
Si bien en la escuela y como un hombre joven, de la curiosidad de Bach le obligó a buscar grandes organistas de Alemania, como Georg Böhm, Dietrich Buxtehude y Johann Adam Reinken, a menudo en los viajes de considerable longitud de oírlos tocar. Él también fue influenciado por la obra de Nicolás Bruhns. Poco después de la graduación (Bach terminado la escuela América cuando tenía 18 años, un logro impresionante en su día, especialmente considerando que él fue el primero en su familia en terminar la escuela), Bach, obtuvo un puesto como organista en Arnstadt en Alemania en 1703. Al parecer, se sentía estrecho en la pequeña ciudad y comenzó a buscar fortuna en otro lugar. Debido a su virtuosismo, pronto fue ofrecido un puesto de organista más lucrativo en Muhlhausen. Algunas de las primeras de Bach fecha composiciones existentes en este período (incluyendo, según algunos estudiosos, su famosa Toccata y fuga en re menor "), pero debido a la inmadurez general de esta" música antigua "de Bach, gran parte de la música de Bach escribió durante este lamentablemente el tiempo ha sido perdido.
Vida Profesional
Sin embargo, no contento como organista de Mühlhausen, en 1708, Bach tomó una posición como organista de la corte y la maestro de conciertos en la corte ducal de Weimar. Allí tuvo oportunidad de no sólo tocar el órgano, sino también para componer y jugar un repertorio más variado de la música de concierto con el conjunto de los Duques. Un devoto de la música de contrapunto, la producción constante de fugas de Bach comienza en Weimar. El ejemplo más conocido de su obra fuga es probablemente la clave bien temperado, que comprende 48 preludios y fugas, dos para cada clave mayor y menor, una obra monumental, no sólo para su uso magistral del contrapunto, sino también para explorar, para el primer tiempo, toda la gloria de teclas - y los medios de expresión posible de sus ligeras diferencias de unos a otros - a disposición de los músicos del teclado cuando se afinan sus instrumentos en función del sistema Andreas Werckmeister de bien temperamento o sistema similar.
También durante su estancia en Weimar, Bach comenzó a trabajar en la Orgelbüchlein para Wilhelm Friedemann. Este "libro pequeño" de la música de órgano contiene himnos tradicionales de la iglesia luterana armonizado de Bach y compilados en un modo de ser instructiva para los estudiantes de órganos. Esta obra incompleta introduce dos temas principales en corpus de Bach: En primer lugar, su dedicación a la enseñanza, y en segundo lugar, su amor por la coral tradicional como una forma y fuente de inspiración. La dedicación a la enseñanza de Bach es especialmente notable. No había casi ningún período de su vida cuando no tenía un aprendiz a tiempo completo a estudiar con él, y siempre había numerosos estudiantes privados que estudian en casa de Bach, tales como los notables del siglo 18 como Johann Friedrich Agricola. Aún hoy, los estudiantes de instrumentos de casi todos los encuentros de obras de Bach a principios y volver a él a lo largo de sus carreras.
Percepción tensiones políticas cada vez mayor en la corte ducal de Weimar, Bach comenzó nuevamente a buscar un empleo más estable que favorezca sus intereses musicales. El príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen Bach contratado para servir como su maestro de capilla, es decir, el director de la música. El príncipe Leopoldo, que también era músico, apreciaba talentos de Bach, compensado muy bien, y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en su culto, de modo que la mayor parte de la obra de Bach de este período es de naturaleza secular. Los Conciertos de Brandenburgo, así como muchas otras obras instrumentales, incluyendo las suites para violonchelo solo, las sonatas y partitas para violín solo y las suites orquestales, la fecha para este período.
En 1723, JS Bach fue nombrado Cantor y director musical de la iglesia de St. Thomas en Leipzig, en Alemania. Este puesto le exigía no sólo instruir a los estudiantes de la escuela de St. Thomas en el canto, sino también para proporcionar semanal de música en las dos principales iglesias de Leipzig. Elevarse por encima y más allá del llamado del deber, Bach trató de componer una pieza nueva iglesia, o la cantata, cada semana. Este calendario exigente, que consistió básicamente en la escritura equivalente a una hora de música cada semana, además de sus funciones más serviles en la escuela, produce un poco de música verdaderamente sublimes, la mayoría de los cuales se ha conservado. La mayoría de las cantatas de este período de exponer sobre las lecturas dominicales de la Biblia para la semana en que fueron realizadas, algunas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como inspiración para la música.
Los días de fiesta como Navidad, el Viernes Santo y Pascua, cantatas de Bach producido brillo especial, sobre todo el "Magnificat" para Navidad y Pasión según San Mateo para el Viernes Santo. El propio compositor considera el monumental Pasión según San Mateo, entre sus obras maestras, en su correspondencia, se refirió a ella como la pasión de su "gran" y preparar cuidadosamente un manuscrito caligráfico de la obra, que requiere todos los músicos disponibles en la ciudad por su desempeño. Representación de Bach, de la esencia y el mensaje del cristianismo en su música religiosa es considerado por muchos ser tan poderoso y hermoso que en Alemania, se refiere a veces como el quinto evangelista.
Vida Familiar
Bach se casó con su prima segunda, Maria Barbara Bach, el 17 de octubre 1707 después de recibir una pequeña herencia. Tuvieron 7 hijos, 4 de los cuales sobrevivieron a la edad adulta. Poco se sabe de María Bárbara. Ella murió repentinamente el 7 de julio 1720, mientras que Bach se encontraba de viaje con el príncipe Leopoldo.
Mientras que en Köthen, Bach conoció a Anna Magdalena Wilcke, una joven soprano. Se casaron el 11 de diciembre, 1721. A pesar de la diferencia de edad (ella tenía 17 años menor que él), la pareja parece haber tenido un matrimonio muy feliz. Anna apoyó la composición de Johann (resultados finales son muchos en la mano), mientras que la animó a cantar. Juntos tuvieron 13 hijos.
Todos los niños fueron inclinado a la música de Bach, que debe de haber dado el compositor de envejecimiento mucho orgullo. Sus hijos Wilhelm Friedemann Bach, Johann Gottfried Bernhard Bach, Johann Christoph Friedrich Bach, Johann Christian Bach y Carl Philipp Emanuel Bach, todos se convirtieron en músicos, con la CPE Bach ganar el respeto de Wolfgang Amadeus Mozart. A pesar de las barreras a las mujeres con carreras profesionales eran grandes, todas las hijas de Bach más probable es que cantó y tocó en conjuntos, posiblemente, de su padre. La única de las hijas de Bach a contraer matrimonio, Elisabeth Juliana Friederica, elegir como estudiante de Bach esposo Johann Christoph Altnickol. La mayoría de la música que tenemos de Bach fue difundida a través de sus hijos, que conserva mucho de lo que CPE Bach, llamado el "Old Archivo de Bach", después de la muerte de su padre.
En Leipzig, Bach parece que caben en entre el profesorado de la universidad, con profesores de pie, como padrinos de sus hijos, y algunos de los hombres de la universidad de las letras y la teología de proporcionar muchos de los libretos de sus cantatas. En esta última capacidad Bach disfrutado de una relación especialmente fructífera con el poeta Christian Friedrich Henrici. Sebastián y Ana Magdalena, también dio la bienvenida a amigos, familiares y colegas músicos de toda Alemania en su casa, músicos de la corte en Dresde y Berlín, así como músicos como George Philipp Telemann (uno de los padrinos de Carl Philipp Emanuel) hizo frecuentes visitas a la casa de Bach y pueden haber mantenido correspondencia frecuente con él. Curiosamente, George Friedrich Händel, que nació en el mismo año que Bach, hizo varios viajes a Alemania, pero Bach no pudo reunirse con él, un hecho que lamentar.
Más tarde vida y el legado
Después de haber pasado gran parte de la década de 1720 semanales componer cantatas, Bach reunió a un considerable repertorio de música religiosa que, con revisiones menores y algunas adiciones, le permitió proseguir la ejecución de los programas de música impresionante domingo mientras persiguen otros intereses en la música secular, tanto vocal como instrumental. Muchos de estos trabajos posteriores fueron colaboraciones con Collegium Musicum de Leipzig, pero algunos eran cada vez más introspectiva y abstracta, las obras maestras de composición que representan el pináculo del arte de Bach. Estas obras eruditas comenzar con los cuatro volúmenes de su Clavier-übung ( "Keyboard Practice") un conjunto de teclado trabaja para inspirar y desafiar a los organistas y amantes de la música que incluye los 6 Partitas para teclado (Vol. I), el Concierto italiano, la obertura francesa (Vol. II), y las Variaciones Goldberg (vol. IV).
Al mismo tiempo, Bach escribió una misa completa en si menor, que incorporó nuevos movimientos compuesta con fragmentos de obras anteriores. Aunque la masa nunca se llevó a cabo durante la vida del compositor, es considerado como uno de los mejores de su coral.
Después de reunirse con el Rey Frederick II de Prusia, en Potsdam en 1747, que tuvo un tema de Bach y retó al famoso músico para improvisar una fuga de seis parte, basada en su tema, Bach presentó el rey con una oferta de musicales, entre ellos varias fugas y cánones sobre la base de el tema "real". Más tarde, utilizando un tema de su propio diseño, Bach producido el arte de la fuga. Estas 14 fugas (llamado Contrapuncti de Bach), se basan en el mismo tema, demostrando la versatilidad de una melodía simple. Durante su tiempo de vida compuso más de 1.000 piezas.
Contribuciones de Johann Sebastian Bach a la música, o para emplear un término popularizado por su alumno Lorenz Christoph Mizler "ciencia musical" son frecuentemente comparados con los "genios originales" de William Shakespeare en la literatura Inglés e Isaac Newton en la física.
El BWV sistema de numeración
Piezas de Johann Sebastian Bach se indexan con los números de BWV, donde se BWV Bach Werke Verzeichnis. El catálogo fue compilado por Wolfgang Schmieder y los números de BWV se refieren a veces como números Schmieder. Utiliza un sistema obsoleto S, en lugar de BWV, por Schmieder.
Piezas de Johann Sebastian Bach se indexan con los números de BWV, donde se BWV Bach Werke Verzeichnis. El catálogo fue compilado por Wolfgang Schmieder y los números de BWV se refieren a veces como números Schmieder. Utiliza un sistema obsoleto S, en lugar de BWV, por Schmieder.
Para leer más
* La biografía principios de Johann Nikolaus Forkel, a partir de 1808, reimpreso en The Reader Bach (WW Norton, 1966), es de considerable valor, como Forkel fue capaz de comunicarse directamente con la gente que había conocido a Bach. * El lector de Bach, editado por Hans T. David y Arthur Mendel, también contiene mucho material interesante, tales como una amplia selección de documentos de la época, algunos por el propio Bach. * Un estudio pionero temprano de la vida de Bach y la música es por Philipp Spitta: Johann Sebastian Bach: Sein Leben, etc .., Dover, 1951, ISBN 0-486-22278-0 * Otro famoso estudio de su vida y la música es de JS Bach por el erudito versátil y organista Albert Schweitzer, en dos volúmenes (1908). Obras más recientes * Christoph Wolff (Johann Sebastian Bach: el músico aprendidas y Johann Sebastian Bach: Essays), incluya un examen de genio "original de Bach" en la estética alemana y la música.
Tema anterior
Nacido en la pequeña ciudad de Zapala, al sur de Argentina, el 14 de noviembre de 1949; Raúl Di Blasio se convirtió en el centro de atención de una pareja de granjeros. Espontáneamente a la edad de seis años demostró su interés por tocar el piano y cuando sus padres le preguntaron si quería estudiar música, no dudó en responder afirmativamente. 
el gaitero ciudad de Eisenach, puesto que implicaba la organización de toda la música secular de la ciudad, así como la participación en la música de iglesia en la dirección de la organista de la iglesia, y sus tíos también eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores , aunque más tarde se Bach superar a todos en su arte. En una época cuando los hijos se espera que ayuden en el trabajo de sus padres, podemos suponer JS Bach comenzó a copiar música y tocar instrumentos diferentes a una edad temprana.
maestro de conciertos en la corte ducal de Weimar. Allí tuvo oportunidad de no sólo tocar el órgano, sino también para componer y jugar un repertorio más variado de la música de concierto con el conjunto de los Duques. Un devoto de la música de contrapunto, la producción constante de fugas de Bach comienza en Weimar. El ejemplo más conocido de su obra fuga es probablemente la clave bien temperado, que comprende 48 preludios y fugas, dos para cada clave mayor y menor, una obra monumental, no sólo para su uso magistral del contrapunto, sino también para explorar, para el primer tiempo, toda la gloria de teclas - y los medios de expresión posible de sus ligeras diferencias de unos a otros - a disposición de los músicos del teclado cuando se afinan sus instrumentos en función del sistema Andreas Werckmeister de bien temperamento o sistema similar.
En 1723, JS Bach fue nombrado Cantor y director musical de la iglesia de St. Thomas en Leipzig, en Alemania. Este puesto le exigía no sólo instruir a los estudiantes de la escuela de St. Thomas en el canto, sino también para proporcionar semanal de música en las dos principales iglesias de Leipzig. Elevarse por encima y más allá del llamado del deber, Bach trató de componer una pieza nueva iglesia, o la cantata, cada semana. Este calendario exigente, que consistió básicamente en la escritura equivalente a una hora de música cada semana, además de sus funciones más serviles en la escuela, produce un poco de música verdaderamente sublimes, la mayoría de los cuales se ha conservado. La mayoría de las cantatas de este período de exponer sobre las lecturas dominicales de la Biblia para la semana en que fueron realizadas, algunas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como inspiración para la música.
proseguir la ejecución de los programas de música impresionante domingo mientras persiguen otros intereses en la música secular, tanto vocal como instrumental. Muchos de estos trabajos posteriores fueron colaboraciones con Collegium Musicum de Leipzig, pero algunos eran cada vez más introspectiva y abstracta, las obras maestras de composición que representan el pináculo del arte de Bach. Estas obras eruditas comenzar con los cuatro volúmenes de su Clavier-übung ( "Keyboard Practice") un conjunto de teclado trabaja para inspirar y desafiar a los organistas y amantes de la música que incluye los 6 Partitas para teclado (Vol. I), el Concierto italiano, la obertura francesa (Vol. II), y las Variaciones Goldberg (vol. IV).
Piezas de Johann Sebastian Bach se indexan con los números de BWV, donde se BWV Bach Werke Verzeichnis. El catálogo fue compilado por Wolfgang Schmieder y los números de BWV se refieren a veces como números Schmieder. Utiliza un sistema obsoleto S, en lugar de BWV, por Schmieder.