(Dublín, 1856-Ayot Saint Lawrence, Reino Unido, 1950) Dramaturgo y periodista irlandés. Perteneciente a una familia de la burguesía protestante irlandesa, empezó a trabajar a los dieciséis años, por lo que terminó su formación de modo autodidacto. Cuando sus padres se separaron fue a vivir a Londres con sus hermanas y su madre, que era profesora de música (1876). En los años siguientes trabajó como periodista y crítico teatral y de música para diversos periódicos, al tiempo que publicaba novelas por entregas, si bien sin éxito; sus ingresos eran muy parcos, por lo que vivió en una relativa penuria.

Tras entrar en contacto con la obra de Marx, se hizo socialista (1884) y pasó a formar parte de la Sociedad Fabiana, contraria al empleo de métodos revolucionarios para la transformación de la sociedad. La doctrina marxista se convirtió a partir de entonces en el principal referente de la brillante y ácida crítica social lo mismo de sus artículos que de sus obras literarias. En 1898 contrajo matrimonio con la irlandesa Charlotte Payne-Towshend, que procedía de una familia adinerada.

Sus trabajos como crítico teatral en el Saturday Review le dieron cierto renombre, gracias a sus críticas a los modos y las ideas del teatro victoriano, y su defensa del teatro de Ibsen; su capacidad como crítico musical se puso así mismo de relieve a través de sus elogiosos análisis de Wagner.

Por esta época orientó su producción literaria hacia el teatro, género en el que encontraría la mejor fórmula para desarrollar sus intenciones críticas y didácticas, y también el que le reportaría sus mayores éxitos. Su primera obra para la escena, Casas de viudos (1892), reflejaba claramente el influjo de Ibsen; en ella resulta evidente la intención didáctica que guiaría toda la obra de Shaw, cuyas piezas constituyen siempre, en cierto sentido, «dramas de ideas», y su finalidad crítica con las hipocresías y las injusticias sociales.

Lo mismo sucede con La profesión de la señora Warren (1894), donde el mundo de la prostitución le brinda la ocasión para su crítica al capitalismo; a pesar del tema y la intención de ambas obras, el tratamiento no adopta en ningún momento un tono trágico, sino que la trama y las ideas se aderezan con un humor ácido e incisivo, que será característico de su extensa obra dramática, y gracias al cual logró atraer a sus piezas a un amplio público, en su mayor parte procedente de las mismas clases medias que constituían el objeto de sus críticas.

En 1905, expuso en Hombre y superhombre su teoría de la humanidad como estadio más avanzado de la evolución de la «fuerza vital» hacia formas más espirituales. Divulgador de las ideas de pensadores como Nietzsche o Bergson, su teatro tenía más éxito en el continente que en su propio país, donde no logró el reconocimiento público hasta la representación de La isla de John Bull (1904).

A menudo se considera que la mejor comedia de Shaw es Pigmalión, cuya intención didáctica era inicialmente popularizar la fonética, pero que se convierte en una aguda crítica del sistema de clases inglés, a través del experimento del protagonista, Henry Higgins, quien pretende hacer pasar a una florista por una dama, para la cual le enseña dicción y, naturalmente, «buenas maneras».

La agudeza de los diálogos y el realismo que domina la mayor parte de las obras de Shaw le dieron una gran popularidad, por lo que al final de su vida se había convertido, paradójicamente, en toda una institución del incorformismo y de la extravagancia. Tras la vertiente humorística de sus obras, sin embargo, aflora siempre una conciencia crítica y pesimista, que sirvió a su vez durante largo tiempo como conciencia de sus contemporáneos.

EFEMÉRIDES DEL DIA 5 NOVIEMBRE - Hace tiempo, tal dia como hoy ocurría

Año: Efeméride: 1414 Inauguración del Concilio de Constanza. 1559 Muere el pintor Motonobu Kano. 1810 Las Cortes de Cádiz declaran la libertad de imprenta. 1913 Nace la actriz Vivien Leigh. 1922 Descubrimiento de la tumba de Tutankhamón. 1933 Se aprueba en referéndum el estatuto vasco. 1950 La Asamblea General de la ONU aprueba iniciar relaciones diplomáticas con España. 1955 Muere el pintor Maurice Utrillo. 1963 Desaparece el poeta Luis Cernuda. 1982 Muere el cineasta Jacques Tati. 1985 Italia: macroproceso contra la mafia. El juez Falcone acusa a 709 mafiosos. 1999 Un juez norteamericano declara que Microsoft tiene una posición de monopolio.

Leigh fue educada en el Convento del Sagrado Corazón, en Roehampton, durante ocho años, donde se aficionó a la interpretación gracias a las obras de teatro que se organizaban en el colegio. Estudió ballet, cello y piano, y se examinó en la Real Academia de Música cuando era adolescente. Le fascinaba la historia de Egipto y los idiomas (hablaba francés con fluidez). Estudió en colegios de la Riviera Italiana y de París, y en 1932 conoció a Leigh Holman, trece años mayor que ella, con quien se casó ese mismo año en Londres. Para entonces ya había comenzado a estudiar en la Real Academia de Arte Dramático de Londres (RADA); estudios que continuó tras su luna de miel. En 1933 dio a luz a su primera hija.

Parecía que su vida sería hogareña a partir de entonces, pero en 1934 intervino en sus tres primeras películas. En diciembre de ese año vio a Laurence Olivier en una obra de teatro y afirmó que ese sería el hombre con quien iba a casarse, aunque en aquel momento ambos estaban ya casados. El marido de Leigh pensaba que su interés por la actuación sería pasajero, y que volvería a desempeñar el papel de esposa y madre. Nada más lejos de la realidad.

En 1935, cuando Leigh representaba una obra de teatro titulada The Mask of Virtue, Alexander Korda se fijó en ella y le ofreció un contrato durante cinco años para hacer diez películas en Inglaterra, algo que no llegó a cumplir porque en 1938 se marchó a Hollywood. Mientras tanto, fue presentada a su ídolo, con quien inició un romance al poco tiempo. Títulos de esta época serían La mujer enigma (1937), de Victor Saville, o Un yanqui en Oxford (1938), de Jack Conway. En 1937, tras protagonizar Hamlet junto a Olivier en el teatro, Vivian dejó a su marido y se mudó a Chelsea con el actor.

Desde el momento en que comenzó la búsqueda de la protagonista de Lo que el viento de llevó, Vivien Leigh estaba segura de que ella sería la protagonista. Por supuesto, consiguió el papel, y realizó una interpretación de Scarlett O'Hara que ha pasado a la historia del cine como uno de las más memorables y épicas, junto a la no menos espléndida de Clark Gable, pareja en escena que se convirtió en uno de los iconos más clásicos de Hollywood.

No obstante, Leigh no estaba a gusto allí; tan pronto como terminó el rodaje, Leigh se presentó a las pruebas de selección de Rebeca, de Alfred Hitchcock, pero el papel sería para Joan Fontaine. Su siguiente título de éxito sería, sin embargo, El puente de Waterloo (1948), de Mervyn LeRoy, adaptación de la obra teatral de Robert E. Sherwood. Este título formaba parte de su nuevo contrato con la Metro Goldwyn Mayer. En 1940 Leigh y Olivier se casaron por fin, con Katharine Hepburn como dama de honor. Protagonizaron tres películas juntos: Fuego sobre Inglaterra (1937), de William K. Howard; 21 días juntos (1938), de Basil Dean; y Lady Hamilton (1941), de Alexander Korda.

Durante la guerra, participó en un tour con otros actores ingleses por el norte de África, interpretando poemas y fragmentos de sus películas. Cuando regresó, decidió no volver a Hollywood y quedarse en Inglaterra haciendo teatro. Sin embargo, el productor O’Selznick intentó presionarla para que cumpliese con un contrato que habían postpuesto durante cuatro años. La batalla acabó en los tribunales, y Leigh ganó. Al acabar César y Cleopatra (1945), junto a Claude Reins y Stewart Granger, Leigh tuvo que ser ingresada. Su tuberculosis recurrente había reaparecido por el agotamiento.

Su siguiente título, Anna Karenina (1948), de Julien Duvivier, era un papel que siempre había querido interpretar. En esa época su dedicación al teatro era mayor que la cinematográfica (intervino en obras como Romeo y Julieta, The Doctor’s Dilemma, The School for Scandal, The Skin of Our Teeth o Ricardo III). La década de los cincuenta se inició con Un tranvía llamado deseo (1951), de Elia Kazan, trabajo que le proporcionó el Oscar a la mejor actriz. Leigh sufría, además de tuberculosis, desdoblamiento de personalidad, lo que más tarde dificultaría que distinguiese su vida real de la de su personaje en la película: Blanche DuBois. La película significó, no obstante, su regreso Hollywood tras una década de ausencia.

En Septiembre de 1951 su enfermedad psíquica sufrió una recaída y tuvo que ser internada. Tras una sorprendente mejoría, protagonizó The Deep Blue Sea (1955), de Anatole Litvak, que no tuvo éxito en taquilla. El teatro, junto a Olivier, continuó siendo su mayor aliciente. En 1957 comenzaron sin embargo los rumores de la separación, porque Olivier había iniciado un romance con la actriz Joan Plowright (con quien después se casaría).

En 1961 Leigh protagonizó, de nuevo en Hollywood, La primavera romana de la señora Stone, de José Quintero, adaptación de la obra de Tenesee Williams que se convitió en la primera película de la actriz tras cinco años alejada de la pantalla. El barco de los locos (1965), de Stanley Kramer, junto a Simone Signoret, José Ferrer y Lee Marvin, fue su último trabajo, año en el que también protagonizó su última obra de teatro, junto a John Gielgud: Ivanov. Leigh vivió junto al actor John Merivale desde 1959 hasta su muerte, en 1967.

París, 1883 - Dax, 1955) Pintor francés. Era hijo de la pintora Suzane Valadon y el bohemio Boissy, y tomó el apellido del pintor español Miguel Utrillo, que en el año 1891 lo reconoció como hijo.

Su carácter débil le precipitó al alcoholismo y ya a los dieciocho años hizo su primera cura de desintoxicación, momento en el que se inició su afición a la pintura. Sus problemas con la bebida condicionarían su trayectoria vital y pictórica, ya que sus visitas a centros de salud fueron constantes a lo largo de su vida.

En sus inicios, imitó las formas impresionistas de Sisley, Pissarro y Raffaelli, pero hacia 1902 comenzó a pintar paisajes sórdidos acordes con su estado de ánimo. En 1907 se desligó de las influencias impresionistas y se inició su denominada "etapa blanca", época de gran fecundidad. Dejando atrás épocas en las que predominaron los tonos rojos y azules, su obra comenzó a sentir la influencia de su madre y adquirió una gran madurez.

Molinos de viento de Montmartre (1949)

Hacia 1909, comenzó a exponer en muestras colectivas; en el Salón de Otoño exhibió su obra El pont de Notre-Dame; en 1912 expuso en la Galería Drue, y en el Salón de Otoño mostró Rue à Sannois y Rue au Conquet. Sus primeras exposiciones en solitario datan de 1913, en el Salón de los Independientes y en la Galería Blot, en la que presentó alrededor de treinta cuadros.

A partir de ese momento sus obras se exhibieron con frecuencia en las más prestigiosas salas y, ya en 1925, era considerado como uno de los cinco pintores más célebres de París. Mantuvo amistad con Modigliani, al que conoció en una de sus frecuentes fiestas "báquicas".

En 1935 se unió a la pintora Lucie Valore; este matrimonio le aportó serenidad y favoreció una intensa producción, que no se limitaría únicamente al lienzo sino que se vio enriquecida con la elaboración de decorados y trajes para representaciones teatrales.

Utrillo ha sido uno de los pintores modernos más imitados; algunos de los cuadros que llevan su firma son originales de su madre y de su suegro, Andre Utter, o bien se trata de apócrifos. En la actualidad, su obra está representada en los principales museos de Arte moderno.

En 1935 se unió a la pintora Lucie Valore; este matrimonio le aportó serenidad y favoreció una intensa producción, que no se limitaría únicamente al lienzo sino que se vio enriquecida con la elaboración de decorados y trajes para representaciones teatrales.

Utrillo ha sido uno de los pintores modernos más imitados; algunos de los cuadros que llevan su firma son originales de su madre y de su suegro, Andre Utter, o bien se trata de apócrifos. En la actualidad, su obra está representada en los principales museos de Arte moderno.

Luis Cernuda

Estudió derecho en su ciudad natal bajo la dirección de Pedro Salinas, de quien fue discípulo y quien orientó, asimismo, sus primeros pasos de poeta. De su inicial inclinación a la soledad y al nihilismo evolucionó hacia una actitud de íntima y acogedora espiritualidad. Así, los poemas "Atardecer en la catedral" y "La visita de Dios" señalan, según J.M. Valverde, "el término de la evolución de un ambiente español, desde un ideario exquisito y minoritario hasta una emoción a la vez religiosa y socialmente humana".

En diferentes momentos de su vida dio clases de español en la universidad de Toulouse, en Inglaterra y en Estados Unidos. Sus primeras obras marcan un itinerario que desembocó en una estrecha afinidad con los poetas surrealistas. Esta etapa, que dio comienzo con Perfil del aire (1927) y Égloga, elegía, oda (1928) logra su mayor expresión y madurez en Un río, un amor (1929) y Los placeres prohibidos (1931), libros en los que ya se muestra, en todo su esplendor, un Cernuda enamorado y rebelde, orgulloso de su diferencia.

En sus volúmenes siguientes arraigó con originalidad y dominio la tradición romántica europea: Donde habite el olvido (1934), Invocaciones (1935). Los títulos que aparecieron a partir de este momento, más los ya publicados, fueron engrosando su obra poética completa bajo el sugestivo rótulo de La realidad y el deseo (1936); en 1964 se publicó póstumamente la edición número cuarenta.

Cernuda, que tras la contienda civil española conoció el exilio del que jamás volvió, emprendió, bajo la influencia directa de la poesía anglosajona, un período en el que su obra poética se hace autobiografía y reflexión. Residente en Gran Bretaña, Estados Unidos y, por último, México, publicó sucesivamente, entre otros libros, Las nubes (1940), Como quien espera el alba (1947), Vivir sin estar viviendo (1949), Con las horas contadas (1956) y Desolación de la Quimera (1962).

La obra del autor ha sido objeto de numerosos estudios en muchos países. Tal vez quien más y mejor se haya aproximado a su sentido más genuino y profundo sea el mexicano Octavio Paz, que en un breve ensayo dedicado a su figura, escribe sobre el sentido de la palabra deseo en los trabajos del poeta: "Con cierta pereza se tiende a ver en los poemas de Cernuda meras variaciones de un viejo lugar común: la realidad acaba por destruir al deseo, nuestra vida es una continua oscilación entre privación y saciedad. A mí me parece que, además, dicen otra cosa, más cierta y terrible: si el deseo es real, la realidad es irreal. El deseo vuelve real lo imaginario, irreal la realidad".

Pero además de poeta, Cernuda fue también un excelente prosista. Toda su obra recopilada tras su muerte por los estudiosos Derek Harris y Luis Maristany, se puede encontrar en el volumen Prosa completa (1975), en el que, entre otros títulos, aparecen Variaciones sobre tema mexicano (1952), Ocnos (1942) y Estudios sobre poesía española contemporánea (1953).

Cernuda, que tras la contienda civil española conoció el exilio del que jamás volvió, emprendió, bajo la influencia directa de la poesía anglosajona, un período en el que su obra poética se hace autobiografía y reflexión. Residente en Gran Bretaña, Estados Unidos y, por último, México, publicó sucesivamente, entre otros libros, Las nubes (1940), Como quien espera el alba (1947), Vivir sin estar viviendo (1949), Con las horas contadas (1956) y Desolación de la Quimera (1962).

La obra del autor ha sido objeto de numerosos estudios en muchos países. Tal vez quien más y mejor se haya aproximado a su sentido más genuino y profundo sea el mexicano Octavio Paz, que en un breve ensayo dedicado a su figura, escribe sobre el sentido de la palabra deseo en los trabajos del poeta: "Con cierta pereza se tiende a ver en los poemas de Cernuda meras variaciones de un viejo lugar común: la realidad acaba por destruir al deseo, nuestra vida es una continua oscilación entre privación y saciedad. A mí me parece que, además, dicen otra cosa, más cierta y terrible: si el deseo es real, la realidad es irreal. El deseo vuelve real lo imaginario, irreal la realidad".

Pero además de poeta, Cernuda fue también un excelente prosista. Toda su obra recopilada tras su muerte por los estudiosos Derek Harris y Luis Maristany, se puede encontrar en el volumen Prosa completa (1975), en el que, entre otros títulos, aparecen Variaciones sobre tema mexicano (1952), Ocnos (1942) y Estudios sobre poesía española contemporánea (1953).

Cernuda, que tras la contienda civil española conoció el exilio del que jamás volvió, emprendió, bajo la influencia directa de la poesía anglosajona, un período en el que su obra poética se hace autobiografía y reflexión. Residente en Gran Bretaña, Estados Unidos y, por último, México, publicó sucesivamente, entre otros libros, Las nubes (1940), Como quien espera el alba (1947), Vivir sin estar viviendo (1949), Con las horas contadas (1956) y Desolación de la Quimera (1962).

La obra del autor ha sido objeto de numerosos estudios en muchos países. Tal vez quien más y mejor se haya aproximado a su sentido más genuino y profundo sea el mexicano Octavio Paz, que en un breve ensayo dedicado a su figura, escribe sobre el sentido de la palabra deseo en los trabajos del poeta: "Con cierta pereza se tiende a ver en los poemas de Cernuda meras variaciones de un viejo lugar común: la realidad acaba por destruir al deseo, nuestra vida es una continua oscilación entre privación y saciedad. A mí me parece que, además, dicen otra cosa, más cierta y terrible: si el deseo es real, la realidad es irreal. El deseo vuelve real lo imaginario, irreal la realidad".

Pero además de poeta, Cernuda fue también un excelente prosista. Toda su obra recopilada tras su muerte por los estudiosos Derek Harris y Luis Maristany, se puede encontrar en el volumen Prosa completa (1975), en el que, entre otros títulos, aparecen Variaciones sobre tema mexicano (1952), Ocnos (1942) y Estudios sobre poesía española contemporánea (1953).

Jacques Tati, nacido Jacques Tatischeff (Le Pecq, Yvelines, 9 de octubre de 1907 – París, 4 de noviembre de 1982), director y actor francés de origen franco-ruso-ítalo-neerlandés.

Tati es, sin lugar a dudas, uno de los grandes cómicos del séptimo arte, heredero directo de los maestros del mejor cine cómico mudo norteamericano y francés. Jacques Tati vuelve a las fuentes del viejo cine cómico y a la pureza del gag visual sin renunciar a un rico arsenal humorístico que extrae del mundo de los ruidos. Procedente del music-hall, había actuado en algunos filmes y producido varios cortometrajes, pero se impone con dos películas que dirige e interpreta y que marcan una fecha en la historia de la comicidad cinematográfica: Jour de fête (Día de fiesta, 1949), en la que vemos a un cartero en bicicleta intentando emular la velocidad de los americanos, y Les vacances de M. Hulot (Las vacaciones del Sr. Hulot, 1953), visión satírica del veraneo pequeñoburgués en una plácida localidad costera. La crítica del hombre moderno inserto en un avasallador mundo material le conducirá luego de modo natural a la crítica de la moderna civilización urbana —urbanismo, funcionalismo, diseño, automatismo— en Mon oncle (Mi tío, 1958) y en el laboriosísimo Playtime (1968), donde recurre a gags visuales propios del cine mudo y a otros puramente acústicos, línea que prosigue en Trafic (1970).

Jacques Tati era de origen franco-ruso-italo-neerlandés. Su padre, Georges-Emmanuel Tatischeff, nacido en 1875 en París y muerto en 1957, era hijo natural del conde Dimitri Tatischeff, general del ejército ruso, agregado militar de la embajada rusa en París, que murió poco después del nacimiento de Georges, y de una francesa, Rose Anathalie Alinquant. El niño Georges-Emmanuel tuvo una infancia agitada: fue secuestrado y llevado a Rusia, y su madre no pudo traerlo de nuevo a Francia hasta 1883. Se instaló en un lugar muy alejado, Le Pecq, cerca de Saint-Germain-en-Laye.En 1903, Georges-Emmanuel Tatischeff se casa con Claire van Hoof, muerta en 1968, de origen italo-neerlandés, con quien tendrá dos hijos: Natalie (nacida en 1905) y Jacques. El padre de Claire, holandés, era enmarcador e hizo entrar a Georges-Emmanuel en su empresa. La familia Tatischeff tenía, pues, un nivel de vida bastante alto. Posteriormente, Georges-Emmanuel se convertirá en director de la firma Van Hoof.

Jacques Tatischeff parece haber sido un estudiante mediocre; sin embargo, es muy deportista, y juega al tenis y, sobre todo, practica la equitación; abandona los estudios a los 16 años (1923) y entra como aprendiz en el negocio familiar, donde es formado por su abuelo. En 1927-1928, hace el servicio militar en Saint-Germain-en-Laye, en caballería, 10º Regimiento de Dragones. A continuación, pasa un curso en Londres, durante el cual se inicia en el rugby. A su regreso, descubre su talento cómico en el seno del equipo de rugby del Racing Club de Francia, cuyo capitán es Alfred Sauvy y uno de los valedores de Tristan Bernard.

Deja el oficio de enmarcador en 1931 ó 1932, cuando la crisis económica mundial alcanza a Francia, especialmente al mundo del espectáculo. Vive, por tanto, un período muy difícil, durante el cual elabora, a pesar de todo, el número que se convertirá en Impressions sportives (Impresiones deportivas). Participa en el espectáculo (amateur) organizado cada año por Alfred Sauvy de 1931 a 1934.

Es probable que tuviera empleos remunerados en el music-hall, pero sólo hay pruebas a partir de 1935, año en que hace una interpretación para la gala del diario Le Journal, para festejar el récord de la travesía del Atlántico por el Normandie. Entre los espectadores se encuentra Colette, quien más tarde hará un comentario muy elogioso del número de Tati. Después, entra en la revista del Thétre-Michel y, tras una estancia en Londres, actúa en el A.B.C.,en la revista dirigida por Marie Dubas. A partir de entonces trabaja ininterrumpidamente hasta la guerra.

Durante los años treinta empieza a actuar también como actor de cine:

• 1932: Oscar, champion de tennis, de Jack Forrester (film perdido y muy mal documentado);
• 1934: On demande une brute, de Charles Barrois, con Jacques Tati (Roger) y Enrico Sprocani, conocido como le clown Rhum (Enrico);
• 1936: Gai dimanche, (igual reparto);
• 1936: Soigne ton gauche, de René Clement, con Jacques Tati (Roger) y Max Martel (el cartero).

Es movilizado en septiembre de 1939 y destinado al 16º regimiento de dragones; luego es enviado a una nueva unidad con la que participa, en mayo de 1940, en la batalla del río Mosa. Tras la derrota, es enviado a Dordoña, donde es desmovilizado.

Entre 1940 y 1942, presenta sus Impressions sportives en el Lido de París. Allí conoce a la bailarina Herta Schiel, que había huido de Austria con su hermana Molly al producirse la Anschluss. En el verano de 1942, Herta da a luz una niña, Helga Marie-Jeanne Schiel. Siguiendo los consejos de su hermana Nathalie, Tati se niega a reconocer a la niña; deja a la madre y es despedido del cabaret.A principios de 2009, Helga Marie-Jeanne Schiel y su familia vivían en Inglaterra.

En 1942 se presenta en La Scala de Berlín. Luego, abandona París y pasa algunos meses de 1943 en Sainte-Sévère con un amigo, el guionista Henri Marquet, y allí escriben el guión de L’école des facteurs.

El 25 de marzo 1944 se casa con Micheline Winter. Vuelve a trabajar como actor de cine al final de la guerra. Considerado como potencial sustituto de Jean-Louis Barrault en Les Enfants du paradis, interpreta el papel del fantasma en Sylvie et le fantôme de Claude Autant-Lara y aparece, también, en Le Diable au corps, del mismo director. En esa época es cuando conoce a Fred Orain, director de los estudios de Saint-Maurice, cerca de París, y los de la Victorine, en Niza.

A principios de 1946, Orain y Tati fundan una productora, Cady-Films, que está en el origen de las tres primeras películas de Tati.

En 1946, año del nacimiento de Sophie-Catherine Tatischeff, realiza un cortometraje titulado L’École des facteurs. Estaba previsto que lo dirigiese René Clément, pero en ese momento está realizando La bataille du rail y es Jacques Tati quien asume esa función.

Su primer largometraje, Jour de fête (Día de fiesta), en el cual su mujer hace un papel, se rueda en 1947 y se termina en 1948, pero no se estrena en Francia hasta el 4 de julio de 1949, debido a la reticencia de los distribuidores franceses. La película, estrenada ya con éxito en Londres en marzo de 1949, obtiene finalmente un gran éxito de público en Francia, aunque los críticos se muestran, en general, poco entusiastas. No obstante, el film recibe el Grand Prix del cine francés en 1950. Iba a ser una de las primeras películas francesas en color, pero el carácter experimental del nuevo sistema de color "Thomsoncolor" y el elevado coste del positivado en color hizo que tuviera que proyectarse en blanco y negro. No fue hasta 1995 cuando se pudo hacer una copia en color y presentarla al público.

1949 es, también, el año del nacimiento de Pierre-Francois Tatischeff, alias Pierre Tati.

Viena, 1903-Altenburg, Austria, 1989) Zoólogo austriaco. Cuando terminó sus estudios en la escuela secundaria, y siguiendo los deseos de su padre, se trasladó a Estados Unidos para seguir dos cursos semestrales de medicina en la Universidad de Columbia (Nueva York), tras lo cual regresó a Viena para completar sus estudios. En 1928 se graduó en medicina y en 1933, en zoología.

En 1939 fundó con N. Tinbergen la escuela etológica del comportamiento animal, que mantuvo fuertes discrepancias con la escuela estadounidense de psicólogos experimentales. Los estadounidenses estudiaban los animales en el laboratorio y los europeos preferían observarlos en su hábitat natural. En 1935, al estudiar las pautas de aprendizaje de los polluelos de ganso y de pato, descubrió una etapa crítica en la que aprenden a reconocer y a seguir a los padres, incluso si éstos son adoptivos, siempre que en ellos estuviesen presentes los estímulos auditivos o visuales, la impronta, que provoca la reacción de los jóvenes.

De 1940 a 1942 ejerció como profesor y jefe de departamento en la Universidad de Königsberg. Prisionero de guerra del ejército soviético, fue devuelto a Austria en 1948. Pasó entonces a dirigir el Instituto de Etología Comparada de Altenberg. De 1961 a 1973 dirigió el Instituto Max Planck de Fisiología en Seewiesen. En 1973 compartió el Premio Nobel de Medicina con K. von Frisch y N. Tinbergen.

Las ideas de Lorenz significaron un adelanto en el conocimiento del comportamiento animal y de su papel en el proceso de adaptación y supervivencia de la especie. Al final de su carrera intentó aplicar sus ideas a la conducta de los humanos como miembros de especies sociales, una aplicación cargada de controvertidas implicaciones filosóficas y sociológicas.

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Fué mi gran maestro, sin duda un filósofo muy particular y extraordinario, otro día con mas tiempo me extenderé en su vida. Tengo todos sus libros en castellano, fué injustamente tratado por ser médico en la época de los nazis, se le reprocha eso cuando en realidad, estuvo en campos de concentración él tambien. Fué maestro de muchos famosos y grandes, viajaban solo para ser sus discípulos, su vida fué realmente de novela. Su conocimiento y lo adelantado a su época lo hacen un ser excepcional.

Los que le reprochan ahora, mejor que miren lo que están haciendo, si este hombre se levantara de la tumba y viera el camino que el mundo ha tomado, volvería a morirse.

Marti

PD, esta biografía que encontré parece chiste. En realidad mas que naturista fue un gran eto - ecologista.