Mujer: Vermeer representa a una criada vertiendo leche sobre un cuenco de forma humilde y honesta, con la cabeza agachada, como aceptando su destino.
Luz: En la pintura de Vermeer la luz es algo fundamental, inundando la estancia siguiendo la técnica del pointillé, que es una técnica decorativa a base de puntos que inundan la superficie. Así, la sensación es que los puntos de luz están por toda la estancia.
Bodegón: Representa en primer término un bodegón de pan y cuenco de leche, lo que algunos ven una alusión a la eucaristía y a la pureza.
Ventana: Vermeer representaba sobre todo interiores y en ellos seguía un esquema parecido, con una ventana a la izquierda desde la que entraba el haz de luz que iluminaba toda la estancia, que se veía a medias.
Color: Usa ricos colores pero aquí curiosamente usa sobre todo el amarillo y el azul, los colores holandeses.
Participemos amig@s, a nuestra administradora le và a gustar mucho ¿Quièn sigue?
comparto con ustedes el analisis de la obra del siglo: se llama GUERNICA Y SU AUTOR ES PABLO RUIZ PICASSO.
´´No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo´´. (Pablo Picasso)
QUERIA LUCHAR CONTRA LA INJUSTICIA CON MI UNICA ARMA: LA PINTURA PICASSO
ANALISIS: En 1936 estallo la Guerra Civil Española, un ataque aéreo alemán destruyó completamente la ciudad de Guernica, en el País Vasco. Indignado y afectado por aquella atrocidad pinte el cuadro cubista de mas grandes dimensiones en un mes y medio.
• Guernica expresa un grito contra la guerra y la crueldad del hombre.
• Los colores utilizados para pintar este cuadro son: el negro, el gris y blanco, eran los colores de las imágenes que me llegaban a través de los periódicos.
• En este inmenso cuadro aparecen nueve figuras y la representación simbólica de Dios: un gran ojo divino con una bombilla como pupila
• También en su obra aparecen la figura de un caballo y un toro, muy utilizados en otros cuadros, el caballo enloquecido simboliza el horror fascista mientras que el toro el sufrimiento del pueblo.
• Justo en medio de estos dos animales aparece la silueta de una paloma herida que representa la paz rota
• En primer plano aparece un cuerpo de un soldado estirado en el suelo que sujeta una espada rota.
• A la derecha del cuadro vemos a una mujer con los brazos hacia arriba como si quisiera impedir la caída de las bombas. Detrás de ella, se ve un edificio en llamas.
• contrastando con tanto dolor, por encima de la espada del soldado brota una flor de lineas muy suaves, símbolo de esperanza.
Madre y niño, obra del pintor Oswaldo Guayasamín ejecutada en 1983. Pertenece a la época La edad de la ternura. Los cambios en esta parte de su creación se dan en los contenidos
Madre e hijo es un cuadro que refleja la importancia que Guayasamín le dio en su obra a la maternidad. Fue pintada en 1955, época dedicada a su serie Huacayñán, o Camino del llanto, a la que dedicó 150 pinturas, y que fue la primera edad adulta del pintor.
Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas más caras del mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh fue vendida por un valor récord de $53,9 millones en "Sotheby's", Nueva York. Actualmente se conserva en el Getty Center de Los Ángeles. En 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por $82,5 millones en Christie's, estableciendo así un nuevo precio récord.
"El niño enfermo" pertenece a la veta naturalista dentro de la obra del maestro Pedro Lira. Esto porque dentro de la obra de Lira se hacen múltiples las temáticas y las técnicas que utilizó, dentro de una labor pictórica que convive con el siglo XIX y la renovación definitiva de la pintura chilena de principios del siglo XX. Pedro Lira aparece en la historia chilena del arte como el primer gran maestro, con una dedicación por completo al arte, además de la poderosa influencia que ejerció en la Academia de Bellas Artes. Lira realizó una pintura que se apega a la representación objetiva del modelo, dentro de algunas constantes como los motivos históricos, el paisaje, motivos vulgares y anecdóticos
"El joven Lautaro", pintura de Pedro Subercaseaux. Leftraru (castellanizado Lautaro) fue un mapuche que, prisionero de los españoles, aprendió de ellos, y al fugarse, organizó la guerra contra el invasor, consiguió emboscar y dar muerte a Pedro de Valdivia, arrasó dos veces Concepción, y emprendió la marcha contra Santiago, antes de ser parado por tropas españolas en la ribera del Río Mataquito, y muerto en batalla, en 1557.
Con el uso del óleo sobre tela Aurora Mira abordó en sus inicios, de manera académica, el retrato y la figura humana, ámbito en el que destaca su obra "Agripina Metella en la prisión", que inspiró un poema de Isaías Rugent
Óleo sobre tela de la pintora chilena Aurora Mira que muestra el encarcelamiento de la madre de Nerón, tema histórico anecdótico que sirve para reflexionar sobre los roles femeninos.
Luego Aurora evolucionó hacia el tema que es característico en su producción: flores, frutas y naturalezas muertas en general, inspiraciones trabajadas con una pincelada un poco Más suelta, adeMás de las decoraciones y ornamentos que acompañan sus motivos preferidos.
Aurora se involucra con éstos, les traspasa su sensualidad y gozo ante la contemplación de la belleza de frutas, porcelanas, flores y vajillas. Con especial sensibilidad ahonda en la naturaleza doméstica, atendiendo los susurros emocionales de su entorno hogareño y dignificando los objetos que no poseen cierto nivel "espiritual", como las flores, los que representa por medio de conjuntos de cargada morfología, llamativos colores y armonía compositiva.
En 1925 realizó una tela de motivo floral, "Rosa Blanca", en la cual se insinúa, por medio de la factura suelta y la trituración de gamas cromáticas, su interés por las formas propias del Impresionismo.
Diez años después pinta, con el vigor de siempre, la obra "Rosas y roca", donde insiste en el tratamiento espontáneo y libre de la pincelada, acentuando de este modo la composición cada vez Más barroca.
A Aurora Mira no le gustaba firmar sus cuadros; los que conocemos con su firma se deben a la insistencia de sus hermanas.
Gràn aporte amiga mi alma, me và a servir como guìa, para buscar bellas obras!!
Besitos
Vicent van Gogh
(1853-1890)
Comedores de patatas
Pintado en 1885. Óleo sobre lienzo. 82 x 115 cm.
Comedores de patatas. Van Gogh presenta una pobre estancia, iluminada por una lámpara de petróleo, en donde los campesinos se sientan a la mesa dispuestos a cenar su ración de patatas. Una de las mujeres vierte el contenido de la tetera en unas tazas blancas. La luz mortecina, el oscuro colorido y la actitud de los personajes convierten la escena en una imagen casi mística, reflejando el estado de ánimo del propio Van Gogh y su contacto con los campesinos. La rapidez del trazo le impide centrarse en los detalles, olvidándose del dibujo para mostrar figuras caricaturescas que dan un toque de modernidad a una composición totalmente realista, similar a las que realizaban los artistas de la Escuela de La Haya. Las figuras de la mesa se sitúan de manera que el espectador se integra en la estancia y comparte la comida con los campesinos. La preocupación de Vincent por el mundo agrario y minero holandés está tocando a su fin. Su mente proyecta cada vez con mayor fuerza un traslado a París para completar su formación y depurar unas deficiencias que el artista siente enormes deseos de superar. Pero algo le ata a Nuenen y es la figura de su padre. Cuando éste fallezca, Vincent sentirá un aire de libertad en su espíritu y se marchará a Antwerp, para contemplar los retablos que Rubens realizara para la catedral, y más tarde a París
Tema anterior
)